10 montajes teatrales de 2023

Clásicos reinterpretados. Cuarta pared destruida. Monólogos soberbios, adaptaciones de novelas excelentes y musicales divertidos e irreverentes. Ficciones, verdad y suposición. Producciones originales y adaptaciones, estrenos y producciones que perduran.

«Electra» (Teatro de la Abadía). Fernanda Orazi propone un juego en el que lo que se expone es tan importante y protagonista como la manera en que lo hace. Un montaje que nos ofrece narración, ensueño y dialéctica. Aúna lo que ocurrió, la vivencia interior y la agitación de lo etéreo que transitan aquellos que se ven superados por lo que les ha tocado vivir y digerir, gestionar y superar.

«Italianeses» (Teatro del Barrio). Italiano en Albania y albanés en Italia. Un episodio de la historia reciente desconocido para muchos que demuestra el dolor de las fronteras, el artificio de las identidades nacionales y el poder de los sistemas ideológicos que moldean la geopolítica. De la niñez a la adultez y vuelta recordando los cimientos emocionales, interrogando los vínculos familiares y buscando la manera de convivir en el mundo presente.

«(If) La ligereza» (Cuarta Pared). Todo en ella es ligereza, pero no como sinónimo de simpleza, sencillez, diafanidad o liviandad. Es ligera porque fluye, no se ancla, te lleva, te trae… Cuanto ocurre, se dice y representa sobre el escenario va generando un poso, un cúmulo de capas en lo que lo importante no es solo la narración expresada y la emocionalidad transmitida, sino lo que queda de ello.

«La fruta más sabrosa» (Teatro Español). Destilado de varietés francesa, casticismos y guiños propios del cuplé patrio, unos toques de cabaret improvisado y el recuerdo explícito de Sara Montiel y Lina Morgan. Música y voz en directo. Comedia ágil que, sirviéndose de los tópicos y desmontando los prejuicios asociados, hace sonreír y reír, disfrutar y gozar. Fluidez en el escenario y complicidad con un público complacido.

«Harakiri» (Centro Dramático Nacional). Corpus de presencia y movimiento que recrea, proyecta y transmite cómo puede ser la vivencia y la toma de conciencia del maremágnum interior que supone plantearse precipitar el final. Puesta en escena que aúna acierto conceptual, belleza estética y precisión narrativa.

«Cucaracha con paisaje de fondo» (Teatro Quique San Francisco). Sátira sobre la capacidad de la ciencia, el deseo de la maternidad y los subterfugios del capitalismo emocional. En verso y con mucho absurdo, con ecos del clasicismo helénico, García Lorca y Margaret Atwood, este balneario resulta ser un camarote de los hermanos Marx para gloria de sus intérpretes y divertimento de sus espectadores.

«Prima facie» (Teatros del Canal). De conseguir liberar a depredadores sexuales a ser víctima de uno de ellos. De retorcer el lenguaje normativo a tener que encontrar la manera de defenderse de él. Un texto bien planteado que juega con diferentes registros para conseguir su propósito. Una actriz que además de desplegar su monólogo, lo complementa con un soberbio ejercicio interpretativo sobre la conducta humana.

«La tuerta» (Teatro Fernán Gómez). De la estética del barroco a la libre fluidez del hoy con un texto que propone y juega y una actriz que despliega y extiende sus habilidades interpretativas hasta donde ella y su director desean. La recompensa es la sonrisa y el aplauso de un público que se deja llevar en un viaje en el que es más importante el tránsito que el destino.

«La madre de Frankenstein» (Centro Dramático Nacional). Almudena Grandes se sentiría orgullosa viendo el espectáculo teatral, la excelencia dramatúrgica y el recital narrativo y performativo del elenco de este montaje. Su novela convertida en una historia viva que, como su escritura, nos traslada a la España de los años 50 del siglo pasado, al tiempo que señala cómo las fuerzas de aquella guerra silente han llegado hasta hoy.

«The Book of Mormon» (Teatro Calderón). Desvergonzada e irreverente, provocadora y desprejuiciada, además de divertida, sagaz, ácida y corrosiva. Cero corrección política y ninguna consideración con la posible hipersensibilidad de su público. El fin y el logro de su libreto es el desenfreno sin límites. Súmese a ello melodías pegadizas, tonalidades rítmicas y un despliegue escenográfico, coreográfico e interpretativo merecedor de la ovación y los aplausos con que acaba la función.

«La madre de Frankenstein», literatura transformada

Almudena Grandes se sentiría orgullosa viendo el espectáculo teatral, la excelencia dramatúrgica y el recital narrativo y performativo del elenco de este montaje. Su novela convertida en una historia viva que, como su escritura, nos traslada a la España de los años 50 del siglo pasado, al tiempo que señala cómo las fuerzas de aquella guerra silente han llegado hasta hoy.

Primero fue la Historia, los hechos. Luego el interés, el trabajo documental y el saber hacer de una de nuestras mejores escritoras de las últimas décadas. Posteriormente llegó Anna Maria Ricart Codina con una disección de esta novela publicada hace poco más de tres años. Una labor de edición y adaptación en la que ha sintetizado a sus personajes y preservado sus diferentes atmósferas, las personales y las ambientales. Las tensiones y el miedo de la autocensura, la amenaza invisible de las múltiples formas de control del nacionalcatolicismo. Y finalmente, Carme Portaceli, quien ha sabido transformar esa verdad, esa búsqueda y ese material en una puesta en escena en la que intérpretes y personajes, memoria y justicia, evocación y reivindicación van de la mano.

Mientras eso sucede en el escenario, el patio de butacas se convierte en una caja de resonancia a través de las emociones, realidades e interrogantes por resolver que se le plantean. Aun a pesar de romper la cuarta pared en varias ocasiones, la unión entre un mundo y otro no llega a ser total. La magia, la ensoñación y la ilusión del teatro están siempre ahí. Esa distancia que nos permite mostrar y adentrarnos en la esencia, exponer y observar la autenticidad, expresar y mirar de frente a aquello de lo que, probablemente, solo en pocas ocasiones somos capaces de liberarnos y compartir como debiéramos.

La psique de Aurora, madre que acaba con la vida de su hija por no atenerse al plan diseñado para ella, y el compromiso deontológico del psiquiatra Germán Velázquez con las mujeres sin recursos encerradas en un manicomio, son las bases argumentales a partir de las cuales se desarrollan los dos niveles de la representación. De un lado las distintas tramas argumentales en las que lo individual, lo relacional y afectivo, choca y se enfrenta con la represión y la coacción de lo social y lo político. Del otro lado, un despliegue creativo y técnico que demuestra porqué son necesarios proyectos y equipos, que priorizan lo artístico sobre la rentabilidad económica, como los del Centro Dramático Nacional. Tenebrismo y oscuridad frente a la ilusión, las ganas y el esfuerzo de la luz. Una conjunción de espacio escénico e iluminación perfecta tanto artística como narrativamente.

Base que soporta, acompaña y amplifica el muy buen trabajo de los nueve intérpretes. Algunos como Belén Ponce de León, José Troncoso o Ferrán Carvajal desempeñando varios papeles. En el caso de Macarena Sanz, Blanca Portillo y Pablo Derqui ejecutando un triángulo que impulsa a La madre de Frankenstein en su triple vertiente. En el de la abnegación y la voluntad de avanzar, en el de la distorsión y la alternatividad, y en el de ser fiel a uno mismo y leal a los demás. Misión en la que los tres están brillantes y se hacen dueños y señores, en solitario y en combinación con sus compañeros, cada vez que intervienen sobre las tablas del Teatro María Guerrero. Lo dicho, Almudena Grandes tiene muchos motivos para estar satisfecha, orgullosa y feliz con este lectura e interpretación del quinto de sus Episodios de una guerra interminable.

La madre de Frankenstein, en el Teatro María Guerrero (Centro Dramático Nacional, Madrid).