“Mil amaneceres”, teatro humilde con aires barrocos.

Ochenta minutos de monólogo en los que el binomio José Luis Alonso de Santos y Carlos Manrique se dan la mano para construir y mostrar la personalidad y la biografía de un pobre hombre de su tiempo. Un traslado a la realidad popular del s. XVII en la que las palabras nos guían entre el drama y la comedia, y los tipos que las pueblan conforman un catálogo de habilidosos supervivientes.  

Reinaba Felipe IV cuando un muchacho de Talavera de la Reina comenzó a vagar por el mundo para ganarse la vida. Algo que pasaba por conseguir comer para no sufrir hambre, vestirse para no sentir frío y albergarse para dormir apaciguadamente. Una aventura en la que se encontró con otro individuo similar a él, Antón Toledo. Y de aquella amistad, el momento que nos sitúa en el arranque de Mil amaneceres, el recuerdo que Benjamín hace ante el féretro de su compadre de las andanzas, hazañas y correrías que compartieron. Un relato que se propone trasladarnos al marco de polvo y piedras, zancadillas y aprovechados, legalidades retorcidas y moralidades dudosas en que vivían la mayor parte de las personas.

Por eso esta historia, siendo particular, puede también tomarse como representativa de una época. La escritura del autor de títulos tan conocidos como La estanquera de Vallecas (1981) o Bajarse al moro (1985) es clara en su forma y diáfana en su fondo. Su vocabulario y sintaxis evocan el Siglo de Oro, pero sin despegarse nunca del presente, lo que hace de su retórica, un parlamento accesible para todos los espectadores. Entrada a una narración que se ve apoyada, a su vez, por una estructura temporalmente cronológica y un ritmo en el que se alternan las atmósferas de distinto género y personajes de uno y otro pelo.

Una solidez que César Gil, director de este montaje, adapta a las posibilidades escenográficas de Nueve Norte, fundamentalmente su sencilla iluminación y sonorización, complementados por algunos elementos de atrezo, unos con función descriptiva y otros escénica. Un uso correcto y funcional, en el que el único pero es a algunas músicas, más evocadoras de escenas cinematográficas que de partituras de cuatro siglos atrás. Elementos, en cualquier caso, concebidos para subrayar la interpretación de Carlos Manrique, sobre cuyo trabajo recae todo el peso de la puesta en escena.  

Lógico al ser un monólogo, pero no uno cualquiera. Uno ágil y fluido, con variedad de situaciones y ambientes, y de intenciones expresivas. Hay reflexiones personales, soliloquios con el amigo de cuerpo presente, evocaciones en tercera persona de lo que ocurrió y también representaciones tal cual de lo que aconteció, añadiendo a lo dicho y gesticulado por él mismo, lo verbalizado y corporeizado por el que le acompañaba, así como por aquellos con quienes trataron, ya fueran clérigos o laicos, hombres o mujeres con segundas intenciones. Un reto exigente ante el que Manrique da sobradamente la talla, resultando convincente en su despliegue de registros, entrañable en la manera en que se mantiene fiel a la esencia de su personaje y convincente en su capacidad de hacerse, única y exclusivamente con su voz y su presencia, con la atención del patio de butacas.

¿Sucedería igual en un teatro de grandes dimensiones? Estaría bien que le dieran a Carlos y a estos Mil amaneceres esa oportunidad para así averiguarlo.

Mil amaneceres, Teatro Nueve Norte (Madrid).

“Manual para follarse a un macho con vagina”

Monólogo autobiográfico con título sugerente y progresión narrativa muy bien estructurada. Testimonio sobre la transexualidad centrado en la experiencia cotidiana, sin ánimo de dogma ni lamento a pesar de tener motivo para ello. Del otro lado, una representación más centrada en la catarsis y la necesidad expresiva que en entregarse a su público y convertirse en lo que surja de su comunión con este.

La principal fuente de material para nutrir nuestra creatividad está en nosotros mismos. Lo que imaginamos, escuchamos, percibimos y vemos. Lo que vivimos. De ahí la importancia que lo biográfico tiene en la obra de todo artista, sea cual sea su lenguaje y disciplina. Conocerles nos permite descubrir claves con las que introducirnos de manera más plena en sus propuestas. El juego es aún más interesante cuando lo que escriben o representan versa sobre ellos mismos. Surgen valores como la honestidad y la sinceridad, puerta a otros posibles como el dolor y la reivindicación, quizás paradas intermedias para llegar a la paz anímica y la tranquilidad espiritual.

El resultado son obras con las que dan forma a un conglomerado de momentos aparentemente anecdóticos, sensaciones pasajeras y reflexiones que se evaporaron al ser sustituidas por otras. Un todo que, convenientemente unido y articulado, resulta sólido y con el que él o ella, más joven o más maduro, de aquí o allá, siente que tiene algo potente que contar. Esa es la certeza a la que Pablo Alamá llegó tiempo atrás y de la que resultó un texto que también interpreta bajo la dirección de Myriam Diego y Tania Marte.

Ochenta minutos en los que con escaso atrezo y proyecciones puntuales nos expone qué supone ser la persona que describe el título de esta función. Un hombre cuya intimidad física no es considerada por la frialdad de los programas informáticos de nuestro sistema de salud, ni respetada por la falta de sensibilidad de muchas personas incapaces de ir más allá del yo, mí, me, conmigo. Como bien dice a lo largo de su monólogo, “no se sale una única vez del armario, se sale una y otra vez, todos los días”.

Manual para follarse a un macho con vagina está planteado como una sucesión de actos con diferentes enfoques. Narraciones fundamentadas en la distancia con lo expuesto, recreaciones caricaturizadas o representadas a modo de auto ficción, y también cuadros que juegan a incluir en lo teatral otros lenguajes como el audiovisual o el corporal de la danza. Una variedad bien concebida, pero con diferente resultado en su materialización.

Resultan muy acertados los apoyos audiovisuales, piezas que aportan matices difíciles de haber conseguido de otra manera y que amplifican lo que Pablo se propone. Pasajes en los que deja claro que los diario-testimonios que se grabó de manera casera a lo largo de su pasado hablen por sí mismos. A destacar, también, su capacidad para habitar el escenario aunando los movimientos de mobiliario y cambios de vestuario con los propios de registro y tono.

De manera contraria, vi innecesario el recurso a la caricatura fácil y eché en falta síntesis, menor duración en las escenas sensoriales para evitar convertirlas en interludios que pausan la acción. Subjetividades quizás acertadas, quizás no, pero estoy convencido de que con una vuelta de tuerca tanto este Manual como Alamá pueden transmitir y conseguir mucho más.

Manual para follarse a un macho con vagina, en El Umbral de Primavera (Madrid).

“Oceanía”, el viaje pendiente de Gerardo Vera

Noventa minutos de un monólogo lleno de vida. Ventana a los cimientos de una biografía, una familia y un tiempo de la historia de nuestro país. Una escritura ordenada y sosegada en la que lo íntimo se hila con lo costumbrista y lo emocional con lo identitario. Una puesta en escena limpia y discreta en la que Carlos Hipólito brilla como alter ego de Gerardo Vera.  

La fatalidad se cruzó en su camino en 2020 y Gerardo Vera no pudo culminar la adaptación de Macbeth que estaba preparando para el Centro Dramático Nacional. Alfredo Sanzol culminó su labor con resultado sobresaliente, pero Vera merecía despedirse de los escenarios con voz propia. Y aunque sea de manera intermediada, Oceanía cumple ese papel de manera excelente. Interpretación y dirección confluyen en la triple intención de honrarle, homenajearle y ofrecer una síntesis de su biografía, su personalidad y su carácter, de su manera de ver y vivir la vida, así como de los valores a los que intentaba ser fiel, tal y como transmite el texto que él mismo dejó escrito en colaboración con José Luis Collado, su habitual mano derecha.

Oceanía no hace balance, tampoco es un ajuste de cuentas con otros o consigo mismo. Es una línea de puntos que se va al principio de todo, a su niñez, y a más atrás, al matrimonio de sus padres en un pueblo de la sierra madrileña. Considera las circunstancias en las que estos tuvieron lugar, el inicio de la dictadura, para desde ahí hilar la continuidad que le ha llevado a ser quién y cómo es. Escoge con acierto los momentos que sintetizan sus primeras décadas y los expone con una combinación de sinceridad y sencillez que nos permite comprender cuanto implicaba lo que narra a nivel individual, familiar y social.

En su relato hay luces y sombras, no se recrea en lo dramático, pero tampoco edulcora. Rezuma la verdad de lo imperfecto, en la que lo alegre va unido a lo doloroso y lo esperanzador al miedo. De igual manera repara en cómo evolucionó su particular enjambre entre la atracción física, el deseo sexual y el sentimiento del amor en coordenadas que pecaban la mirada, castigaban la homosexualidad y encorsetaban el afecto en todas sus manifestaciones. Todo ello envuelto en la pasión por la fantasía que le provocaba el cine en Technicolor, el descubrimiento de la impactante cercanía del teatro y la contestación política frente al autoritarismo.

Un mapa personal y un viaje cronológico cuya escucha resulta tan sugerente como inmersivo el montaje que ha concebido José Luis Arellano. Una escenografía sencilla y sobria, con una iluminación recogida y puntual, que subraya la labor mediadora de Carlos Hipólito. No se convierte en Gerardo, pero si transmite estar a su servicio. De ahí que resulte convincente en su papel como altavoz, le cede su cuerpo sin llegar a mimetizarse.

Su interpretación no se basa en su presencia física ni en la gestualidad, sino en, a través de su verbo, transmitir y contagiar la emocionalidad, la intelectualidad y la reflexión de un hombre al que merece que tengamos presente. Alguien a quien recordar por lo que nos ofreció en los escenarios -como sus adaptaciones de El idiota o Los hermanos Karamazov, de Dostoievski- y por su manera de sentir y transmitir, tal y como demuestra esta obra con potencial para ser uno de esos montajes que, da igual el tiempo que pase, seguirá manteniendo su capacidad para hacer vibrar a sus espectadores.    

Oceanía, en Teatro Español (Madrid).

«La voz humana», el divertimento de Almodóvar

Tiene una larga trayectoria que le avala. Ha dado muestras más que sobradas de ser, además de un gran guionista y director, un creador en toda regla con un estilo propio. Es el momento de jugar, dejarse llevar y ver qué pasa sin más. Aún así, su inteligencia, instinto y olfato para lo narrativo, lo estético y lo simbólico inundan cada uno de los planos y secuencias de estos treinta minutos.

La pieza teatral que Jean Cocteau escribiera en 1930. Su ya inclusión en La ley del deseo y su vuelta tangencial a ella en Mujeres al borde de un ataque de nervios, además de otras muchas referencias a su propia filmografía. La manera de presentar los cuadros que cuelgan en la casa de esta protagonista evocan La piel que habito. El vestuario de Tilda Swinton está mostrado con la misma publicidad que el de Tacones lejanos. Pero en ese revelarse a sí mismo, Almodóvar se espeja en otros. Los libros y dvd’s que se ordenan sobre una mesa amplían los títulos y autores ya homenajeados en Julieta y Dolor y gloria, la teatralidad del espacio escénico creado para esta ocasión sugiere Dogville (Lars von Trier) y el juego del cine dentro del cine amplía el espectro a nombres como Truffaut, Fellini o Billy Wilder.

Su libre adaptación de La voz humana, del monólogo telefónico de una mujer que le pide cuentas al hombre que la ha dejado, transmite libertad. Como si Pedro hubiera dejado en un segundo plano de su ecuación mental el atenerse a los códigos de un género determinado -ya sea drama, comedia o su habitual melodrama-, así como la disciplina, el rigor y la minuciosidad que exigen la comercialidad y el compromiso artístico de toda película. Pilares que ha sustituido por la experimentación y lo que apunta a ser algo parecido a un ejercicio de investigación.

Una búsqueda cuyo propósito no es el resultado final visto con los ojos de un espectador virgen, sino testarse a sí mismo, indagando en el camino recorrido, volviendo al proceso realizado -tanto en esta ocasión como en anteriores- para descubrir claves hasta ahora desconocidas, no desarrolladas o en las que no había reparado y que, quién sabe, le pueden ayudar a continuar creciendo.  Son muchos los planos casi idénticos a los de películas anteriores, pero en esta ocasión como lienzos bocetados, explicitando tanto o más su intención formal y estilística que su propuesta narrativa.

Una finalidad que se hace patente al tener como protagonista a Tilda Swinton. Una profesional de la interpretación que no se define como actriz sino como performer. Un término perfectamente válido para este trabajo en el que hay más que fotogenia y saber actuar ante la cámara, en el que la emoción está claramente por encima de la acción, en el que lo que se transmite prima sobre lo que se relata. Puede ser esta la ruta exploratoria en la que Pedro ha querido profundizar, como una extensión de las manifestaciones plásticas como fotógrafo que ha mostrado en distintos espacios expositivos en los últimos tiempos. Pero no con afán de presentarse como un artista multidisciplinar, sino como con creador con una mirada y una visión muy particular que desea seguir ampliando.

«Señora de rojo sobre fondo gris», entradas agotadas

Teatro esencia. Texto, presencia y voz. Miguel Delibes y José Sacristán. Un contenido ejercicio de expresión emocional compuesto de sobriedad castellana, madurez masculina y la asertividad propia de los que se formaron en la España de los 50 y 60.

En 1991, Delibes publicaba a sus 71 años una novela en la que un pintor alter ego recordaba a la que había sido su mujer y cómo, tras su muerte, su ausencia la hacía tan presente como cuando estaba en vida. Apenas un centenar de páginas en el que el genio de El camino (1950) o Los santos inocentes (1981) describía lo que supone vivir en un presente formado por los recuerdos del amor sereno de un ayer, tal y como le había ocurrido a él desde 1974. Hoy, muchos años después, esas palabras escritas para darles cuerpo con la voz imaginada que tiene todo lector, se han transformado en un monólogo -que por su combinación de belleza literaria y sensibilidad humana- retumba en el interior de quien lo escucha.

Es inevitable no comparar esta función con la de otra adaptación a las tablas del de Valladolid, Cinco horas con Mario, hito de la historia del teatro español que décadas después de su estreno (1979, trece años después de la novela) Lola Herrera sigue interpretando en salas abarrotadas. Pero hay diferencias entre las dos. No ya solo por la contraposición viuda vs. viudo y la visión femenina y masculina del mundo, propia de una generación en que el género sexual era -antes incluso que el nivel económico y el educativo- el primer filtro social. Aunque ambos parten del interior, el texto de ella nos permite ver cómo era, concretada en una ciudad castellana, la España de los 60. El de él, en cambio, es más cerrado, no sale de las paredes de su intimidad más que lo justo. Más bien, son los agitados acontecimientos de 1975 los que -como podemos suponer ocurrió en muchos hogares- las traspasan circunstancialmente.

Pero la mayor diferencia se da en el registro emocional que adoptan para exponer su dolor. Frente a la expresividad, cincelada por el negro del luto católico, de Carmen, la contención de Nicolás adquiere un prisma quizás más existencial por el terremoto que supone sentir que se desmorona el suelo sobre el que se pisa y se desdibuja el futuro acompañado que se preveía. Pero a pesar de la parquedad gestual y tonal propia de un personaje así, José Sacristán es capaz de extraer de él matices, volúmenes, quiebros, luces y sombras suficientes para darnos a conocer cómo vivió, metabolizó y sobrevivió a la inesperada enfermedad de su mujer, la incomprensión de su declive físico y el vacío en que le dejó sumido su marcha.

Será por su prolongada carrera, por su madurez personal (82 años) o por su maestría, Sacristán consigue que lleguemos a ver cómo tras la fachada de la máscara masculina y la educación conservadora, hay un hombre que sufre. Un marido y un padre que no niega lo que siente, pero que, como tantos otros, no lo muestra porque realmente no sabe cómo hacerlo. Quizás sea eso lo que haga tarde tras tarde se llene el patio de butacas de un público que no solo disfruta con José Sacristán, sino que entiende y se identifica con Nicolás.

Señora de rojo sobre fondo gris, en el Teatro Bellas Artes (Madrid).

“La memoria del aire” de Caroline Lamarche

“Sólo el monólogo puede traducir la verdad. ¿Quién osaría revelar su secreto al otro?”, esta cita no solo nos anuncia que lo que vamos a leer es un condensado relato en primera persona, sino algo más que una confesión, un ejercicio de valentía de reconocimiento de algo que sucedió y que hasta ahora se había mantenido oculto al no ponerle palabras.

Los sueños son recordatorios, reflexiones, dudas, asuntos pendientes que nos decimos a nosotros mismos. Teniendo en cuenta esto, ¿quién es esa chica muerta envuelta en un sudario que la protagonista de La memoria del aire se encuentra en su nocturnidad en el fondo de un barranco? ¿A qué responde el que diga que tiene su edad pero que su rostro es como el suyo de hace veinte años?

Ese es el inicio de una línea curva que concluiremos habiendo trazado un círculo narrativo completo a cuya resolución todo adquiere un nuevo y ampliado sentido. Los distintos episodios que iremos conociendo en ese proceso y que podrían parecer piezas deslavazadas de una persona que se mueve más por inercia que por convicción, se ensamblarán en algo tan fuerte e intenso como poderoso.  Una potencia que lo cambia todo y que nos hace entender el porqué de esos puntos intermedios entre la responsabilidad y la sumisión, entre la voluntad y la inercia, con que Caroline relata los siete años de duración de su última relación de pareja.

Un tiempo y un vínculo en el que la unión parecía estar cimentada en el placer y el dolor, en el silencio y el sexo, en la necesidad y la amenaza, en ocultarse y evadirse el uno en el otro, en utilizarse para evitar el pasado más que en encontrarse para caminar juntos hacia el futuro. Un cúmulo de sensaciones que Lamarche sintetiza en una narración rotunda en la que cada frase dice más de lo que somos capaces de leer en las palabras que la conforman.

Se advierte entre líneas de la existencia de una verdad que no es que no quiera compartir, sino a la que ella no sabe cómo acceder de manera directa. Y probablemente no por no conocer el medio de llegar a ella, sino por las consecuencias que pueda tener alcanzar el destino de ese camino sin retorno, de hacer presente lo hasta ahora voluntariamente ocultado. Esto provoca que no haya nada banal en lo que se cuenta a sí misma en este monólogo, en lo que nos expone desde su primera persona del singular. Cada uno de sus cortos capítulos es una amalgama de pistas, confesiones y velados reconocimientos de que la auténtica realidad, la que le da sentido a lo que leemos, está tras esas escenas.

Retazos de vida en lo que nos adentramos a ciegas, pero muy bien guiados por una escritura que no pretende conseguir únicamente nuestra atención, sino apelar a nuestra intuición para conectar desde aquello más íntimo y profundo a lo que solo se llega a través de la falta de prejuicios, la voluntad de empatizar, la capacidad de sentir y la valentía de dejarse emocionar.

La memoria del aire de Caroline Lamarche, 2018. 108 páginas. Editorial Tránsito.

“Box and Quotations from Chairman Mao Tse-Tung” de Edward Albee

Dos piezas teatrales, una casi un micro y otra de un solo acto que unidas forman algo inquietante. Texto, personajes y atmósfera van más allá de lo obvio y lo visible para llevarnos a una oscuridad inhóspita en la que se rompen las leyes de la lógica narrativa. Presencias y mensajes, en vez de personajes y diálogos, que tornan el espacio de sus páginas o representación en un lugar críptico y asfixiante en el que sentirse al límite al no tener certeza de lo que está ocurriendo.

Hay que dejar a un lado los prejuicios y al otro las expectativas, situarse en el lugar de lo no conocido y coger aire antes de entrar en esta creación del autor de ¿Quién teme a Virginia Woolf?  Albee cuenta en el prólogo de la edición de Penguin Books (1971) que escribió ambas obras por separado, pero que rápidamente vio que había un hilo conductor entre ambas –además de escenográfico, la caja- que ha hecho que acaben formando un único viaje dramático desde su estreno en 1968.

En Box, apenas siete páginas, todo gira en torno a un ente geométrico y tridimensional, dueño y señor del espacio escénico que acompaña con su luz y sonido –tal y como dictan las indicaciones del autor- a la voz de una mujer de mediana edad que suena desde algún punto indeterminado del patio de butacas. Sus sentencias resultan un mantra de intención hipnótica en el que se referencian el papel del arte, la experimentación, la muerte, el recuerdo y la memoria enclavados en situaciones y lugares sin razón ni sentido aparente. Un juego de asociaciones libres que habrá quien diga que es surrealista, pero que no tiene nada de lúdico, escapista u onírico, sino que resulta desconcertante por la tensión y agitación que genera.

Escasos minutos que dejan en el cuerpo una sensación de desconcierto sobre la que desembarca Quotations from Chairman Mao Tse-Tung  para acelerar esa caída libre en la oscuridad de la opresión. Esta vez sí hay personajes de carne y hueso, cuatro, pero uno de ellos no habla, y los otros tres no se comunican entre sí. Cada uno tiene su propio discurso a medio camino entre el monólogo y el soliloquio. El del título su arenga política; una señora de clase bien critica a las personas, lugares y diferencias de clase que la rodean; y otra más humilde que mira con añoranza a su alrededor y su pasado.

El protagonista chino expone su opción comunista y critica la visión imperialista norteamericana del conmigo tal y como yo digo o contra mí, pero al tiempo se desvela como una opción en la que se contempla la guerra como opción cuando el diálogo no sirve para mantener el status quo o conseguir sus objetivos. Maneras de relacionarse que también están implícitas en las dos mujeres que le acompañan sobre el escenario.

Un triángulo con un fin más emocional que narrativo, no con la intención de que al espectador le lleguen pasivamente una serie de emociones, sino para generarle un estado de ánimo de inquietud –algo que Edward Albee ya había hecho en Tiny Alice o The zoo story– que se vea obligado a transmitir, convirtiéndole de esta manera en un agente activo de la representación de este texto.

10 funciones teatrales de 2017

Representaciones que hicieron estremecer, puestas en escena que provocaron un huracán de emociones entre los espectadores asistentes, actores que con sus interpretaciones dejaron un recuerdo que todavía perdura, textos que a los que se les dio una nueva dimensión,…

«Un obús en el corazón«. No puede haber título más preciso y acertado. Un proyectil cuidadosamente ensamblado que tras su disparo traza una trayectoria bien clara y definida, alcanzando de lleno su objetivo, sus espectadores. Y si Wajdi Mouawad es un genio de la creación literaria, Hovik Keuchkerian lo es de la interpretación. Juntos son imbatibles y arrolladores, magistrales, una unión definible como perfección escénica.

«Las brujas de Salem«. El texto de Arthur Miller es maestro, no solo porque lo digan los académicos de la literatura desde hace ya más de seis décadas, sino por el efecto que tiene desde 1952 en sus lectores y espectadores. El montaje de Andrés Lima y su fantástico reparto están a la altura de todos sus retos: transmitiendo su mensaje universal, generando un dramatismo in crescendo a medida que se suceden los minutos, contagiando el dinamismo de sus momentos más corales,…

«He nacido para verte sonreír«. El vínculo entre una madre y un hijo es eterno, constante, profundo, íntimo. No hay silencios, impedimentos o retos que puedan con él. Siempre estará ahí, tal y como lo expresa Isabel Ordaz, eterno, vigente e incorruptible, y como se lo devuelve Nacho Sánchez, etéreo e invisible, pero haciendo que con su sola presencia, con su cuerpo, lo llene todo. Pablo Messiez resulta una vez más, gracias a su delicadeza y empatía, un maestro creando y transmitiendo emociones.

«Iván y los perros«. La humanidad más auténtica es posible incluso en un entorno de extrema brutalidad. La mirada inocente de un niño es siempre el mejor espejo en el que comprobar cómo los adultos hemos perdido la oportunidad de vivir la honestidad de nuestros sentimientos. Nacho Sánchez es el actor, el monstruo, el grande que graba en la piel, los ojos y el corazón de sus espectadores lo que él vive sobre el escenario del Teatro Español.

«Arte«. Solemos dar la categoría de arte a aquellas creaciones del hombre que partiendo de principios estéticos –siempre volubles- apelan a nuestras emociones. Pero cuando metemos de por medio a la razón para darle entidad a lo que pertenece a este mundo, se corre el riesgo de abrir la caja de los truenos y provocar una tormenta de consecuencias imprevisibles. Miguel del Arco y el trío protagonista –mención especial a Jorge Usón que brilla con luz propia- hacen suya, a golpe de humor y muchas risas, la compleja sencillez del texto de Yasmina Reza.

«Antígona«. Un texto clásico, una iluminación barroca y un mensaje actual, universal, eterno, siempre presente. Un bucle sin fin que comienza con la resaca del conflicto, sigue con la tensión de la defensa de la ley y concluye con la paradoja del ejercicio del poder. Un elenco en el que todos los actores brillan con su quietud cada vez que intervienen y cuando coordinan sus movimientos hacen casi estallar el escenario.

«Ensayo«. Dos horas de una brutal intensidad en la que tan duro y doloroso es expresarse como escuchar. En las que los personajes se abren en canal sus conflictos sobre el pequeño y gran mundo teatral del que forman parte, el amor al que dicen aspirar y desear transmitir a sus espectadores, las motivaciones que les iniciaron y les mantienen en la escritura, la interpretación y la dirección, así como su papel en todas las dimensiones de su vida. El texto de Pascal Rambert no deja un rincón de la mente, el alma y el corazón humano sin explorar.

«Cartas de amor«. Setenta años de misivas, desde que eran niños y tenían toda la vida por delante hasta las últimas palabras que se dirigieron dos adultos que fueron el uno para el otro, unas veces mucho y otras nada. Un intercambio postal que sobre el escenario se sucede como un dialogo ágil, sugerente, con momentos de humor y notas dramáticas a partes iguales. Palabras certeras cuyos significados y mensajes quedan amplificados por la maestra capacidad interpretativa de Julia Gutiérrez Caba y Miguel Rollán.

«Bodas de sangre«. El verbo hecho carne. Que los diálogos y la poesía de Lorca no sean solo palabras sino también cuerpos que escupen escultóricamente el escenario con su presencia y lo modifican y llenan con el ritmo y la cadencia de sus movimientos y voces. Esta es la inteligente y arriesgada puesta en escena de Pablo Messiez que hace de Federico, sin alterar su forma y esencia, algo moderno y actual demostrando la fuerza y capacidad de ambos y la vigencia y universalidad del granadino.

«Billy Elliot«. Pasión, eso es lo que tiene Billy por el baile y eso es lo que transmite este musical, pasión por hacerlo bien y pasión por hacer disfrutar a su público. Da igual haber visto la película o el montaje teatral en Londres o Nueva York, la adaptación al español transmite autenticidad. Las canciones suenan bien. Los actores están a la altura tanto cuando interpretan como cuando cantan. Las coreografías y los cambios de escenografía resultan redondos. El resultado, lágrimas de emoción, sonrisas de admiración y aplausos unánimes de principio a fin.

10 textos teatrales de 2017

Escenarios en los que se desvelan pasados familiares insospechados, páginas que relatan la España de los inicios de los 80 y el Nueva York de los 90, clásicos de la literatura universal, textos inteligentes y apasionados en los que el alma humana muestra su rabia y sus anhelos, sus pesares y sus alegrías.

«Buried child» de Sam Shepard. Tras la foto idílica de muchas familias se esconde un pasado de zonas oscuras y un presente lleno de silencios. Así sucede entre los residentes de esta casa en un lugar indeterminado del interior americano en la que Shepard disecciona sus ilógicos y anacrónicos comportamientos para acceder a un brutal y oculto secreto que asfixia cualquier posibilidad de dignidad y relación afectiva entre todos ellos.

«Tan solo el fin del mundo» de Jean-Luc Lagarce. Muchas voces unidas en un único discurso. Una genialidad que amalgama lo que se dijo, lo que se recuerda, lo que se pensó, se escuchó y se interpretó. Todo a la vez, como una cacofonía sordamente ruidosa, pero con un eco que retumba y te atraviesa sin dejarte escapatoria. Un texto brutal, una bofetada en la cara, un estrangulamiento en la boca del estómago, un campo de lucha en el que no hay más salida que el hacerle frente.

«Otelo» de William Shakespeare. Cuando alguien triunfa y es reconocido, también despierta la envidia de los que están dispuestos a lo que sea con tal de llegar a ese puesto de liderazgo que consideran les corresponde a ellos. La estrategia es atacar al odiado en su flanco más débil, en este caso, en el de su inseguridad en el terreno del amor. Todo ello en el marco de una historia que viaja de Venecia a Chipre y nos habla, entre otros aspectos, sobre cómo se gestionaba el poder político, el sentido de las campañas bélicas y los roles de hombres y mujeres a principios del siglo XVII en la Serenísima República.

«Bajarse al moro» de José Luis Alonso de Santos. Han pasado más de 30 años desde su estreno y aunque han cambiado muchas cosas, este texto sigue siendo tan gracioso y tan profundamente realista como el primer día en que se puso en escena. Su perfecta estructura y la frescura de sus diálogos crean una atmósfera que va más allá de sus páginas y del escenario de su representación. Una obra que nos deja ver también qué temas eran los que preocupaban a una España que intentaba ser moderna tanto en su manera de pensar como en su modo de actuar.

«Other people» de Christopher Shinn. Lo que nos hace personas es el contacto y el establecimiento de lazos afectivos con aquellos que el destino pone en nuestro camino. Pero cuando esos vínculos no surgen o se deshacen una y otra vez, nuestro sitio en el mundo y nuestra percepción de nosotros mismos se tambalea. Mark, Petra y Stephen son todo lo que podemos ser –amigos, amantes, profesionales- y lo que ocurre cuando no lo somos –soledad, adicciones,…-.

“The search for signs of intelligent life in the universe” de Jane Wagner. Un monólogo redondo que cuadra en una única historia varios personajes tan lejanos en su carácter como dispares en su comportamiento. Un texto inteligente, divertido y corrosivo, con mucha comedia, pero también con una ácida crítica social. Un gran reto para la actriz encargada de llevarlo a escena, algo que Lily Tomlin solventó con gran éxito de crítica y público en su estreno en 1985.

“Anna Christie” de Eugene O’Neill. El dramaturgo ganó su segundo premio Pulitzer gracias a una obra en la que mostraba buena parte de sus fantasmas. Los símiles son tan evidentes que este fantástico texto no ha de ser leído solo como la gran ficción que contiene, sino también como una descarnada exposición de su biografía personal y familiar. Las relaciones emocionales entre hombres y mujeres y padres e hijos con el telón de fondo del papel del mar como medio de ganarse la vida en una propuesta en la que no hay espacio ni tiempo para el sosiego.

“La rosa tatuada” de Tennessee Williams. Trágica y dramática pero también cómica y divertida. Serafina delle Rose es un huracán que lo invade todo a golpe de carácter, valores católicos y tradición siciliana. Una intensidad que solo se doblega ante el poder de una aparición masculina que reúna presencia física con voluntad amorosa. Uno de los grandes textos de su autor y una oportunidad única para cualquier actriz encargada de protagonizarlo.

“The normal heart” de Larry Kramer. Un brutal ejercicio literario en forma teatral, un relato sociológico sobre los primeros años de la epidemia del VIH y el SIDA, una declaración política contra la discriminación asesina de las administraciones públicas estadounidenses sobre el colectivo homosexual. Una obra maestra del género dramático, un texto dotado de una fuerza extraordinaria que sigue sacudiendo la conciencia de sus espectadores y lectores a pesar de las más de tres décadas transcurridas desde su estreno en 1985.

“Un marido ideal” de Oscar Wilde. Da igual que seas hombre que mujer, maduro o joven, soltero o casado, comprometido o irresponsable, siempre y cuando formes parte de los altos círculos sociales, tanto de manera natural como por accidente, Wilde tendrá un momento de verdad, acidez y corrosivo humor para ti. Una manera de hacer moderno, fresco, cercano y divertido un vodevil que gira en torno a dos temas universales, el amor y el poder.

 

 

 

«Ensayo» sin tregua

Dos horas de una brutal intensidad en la que tan duro y doloroso es expresarse como escuchar. En las que los personajes se abren en canal sus conflictos sobre el pequeño y gran mundo teatral del que forman parte, el amor al que dicen aspirar y desear transmitir a sus espectadores, las motivaciones que les iniciaron y les mantienen en la escritura, la interpretación y la dirección, así como su papel en todas las dimensiones de su vida. El texto de Pascal Rambert no deja un rincón de la mente, el alma y el corazón humano sin explorar.

Un escenario blanco, diáfano, una mesa con cuatro sillas y alguna más a modo de soporte de utilitarios diversos entre los que llama la atención una maqueta con una escenografía sencilla, apenas unos muros blancos, y cuatro figurines negros. Una señal de que lo que vamos a ver es a la vez vida y teatro, realidad y representación, situado en esa línea roja, en esa niebla que está entre el sí y el no. Un territorio de incertidumbre existencial y emocional en el que te sientes abrumado, indefenso, débil, vulnerable. Ese espacio es Ensayo.

¿Qué queda del inicio de su aventura después de 20 años de trayectoria? ¿Del proyecto en el que se embarcaron cuatro personas formando un equipo teatral de director, escritor y dos actrices? ¿Hace él con ellas en escena lo que quisiera hacer fuera? ¿Es una prolongación de una relación que se inició sobre las tablas y se prolonga fuera o al revés? Lo escrito, ¿es para transmitir una ilusión, representar una paráfrasis del mundo en el que vivimos, para expresarse o para decirse a través de la palabra pronunciada por otros lo que se es incapaz de verbalizar?  Y los espectadores, ¿qué papel tenemos en todo esto? ¿Somos seres pasivos, ajenos al drama bajo la excusa de su ficción?  ¿O es aún peor y no nos implicamos porque estamos alienados por el vacío que nos rodea, por la ausencia de sueños que realizar y utopías por las que seguir luchando?

Interrogantes en las que se sumerge Pascal Ambert para emprender un viaje a gran velocidad en el que traspasamos las emociones, sensaciones, pensamientos, deseos y evocaciones que se expresan y se sienten en una representación teatral. Sin discernir si estamos sobre el escenario o en el patio de butacas, dándonos la oportunidad de hacer de sus dos horas de representación un tiempo y lugar único en el que expresar, solicitar y rechazar actitudes y  comportamientos que fuera de ella somos incapaces por pudor, por vergüenza, por una educación con lagunas, por un entorno de valores castrantes –sobre el amor, el sexo, la convivencia,…- o quizás por algo aún peor, por falta de imaginación.

Como en La clausura del amor, el anterior texto de Ambert que se pudo ver representado en el Teatro Pavón, este montaje no deja un segundo de tregua. Al igual que entonces, tan intenso, atractivo y poderoso son cada uno de los actores en sus monólogos como la resistencia corporal con que le escuchan y le responden los demás en una síntesis total y absoluta de cabeza, corazón, piel y estómago.

Ensayo, en el Teatro Pavón (Madrid).