El legado del Teatro Kamikaze

El próximo 30 de enero el Teatro Kamikaze bajará el telón por un cúmulo de factores resultado de lo vivido por todos durante los últimos meses y de las inercias de la gestión cultural propias de nuestro país. Han sido cinco años de grandes montajes y de un nombre fundamental de la cartelera madrileña por funciones como estas. Muchas gracias y mucha mierda en las aventuras teatrales que estén por venir.

Idiota. Comenzaba jugando con el uso del lenguaje, sus significados y sentidos, para posteriormente situarnos frente a lo que decimos, cuánto de verdad hay en lo que expresamos y cuánto de inconsciencia y sinrazón.

La función por hacer. El teatro dentro del teatro como si se tratara de una imagen reflejada en un sinfín de espejos. La diferencia entre la realidad y la representación, entre lo verdadero y lo verosímil.

La clausura del amor. Asumir el final supone volver al principio y repasar el trayecto recorrido, dándole los términos correctos a todo lo vivido. Bárbara Lennie e Israel Elejalde se se dejaban la voz y la piel llevando el texto de Pascal Rambert a una dimensión superior.

Arte. Miguel del Arco y el trío protagonista –mención especial a Jorge Usón que brilló con luz propia- hicieron suya, a golpe de humor y muchas risas, la compleja sencillez del texto de Yasmina Reza.

Iphigenia en Vallecas. María Hervás se hizo dueña y señora del escenario a lo largo de la hora y media de representación de este descarnado monólogo. Comenzaba haciéndonos reír hasta llevarnos a un final en que nos costaba mantenerle la mirada ante la dura realidad que nos mostraba.  

El tratamiento. Cada día de función era un día de estreno en el que convergían los 40 años de biografía de su protagonista y su ilusión por dedicarse al cine. Hora y media de humor y comedia, de drama e intimidad, de fluidez y ritmo, de diálogos ágiles y actores excelentes.

Un enemigo del pueblo (Ágora). Alex Rigola situó en nuestro presente la propuesta de Henrik Ibsen convirtiendo el teatro en un espacio único, sin separación entre escenario y patio de butacas, en el que se debatía qué es y qué supone la democracia y los límites de la libertad de expresión.

Jauría. Miguel del Arco y Jordi Casanovas, apoyados en un soberbio elenco, fueron más allá de lo obvio en esta representación, que no reinterpretación, de la realidad, trasladándonos una verdad mucho más cercana de lo que quizás estamos dispuestos a soportar. 

Las canciones. Una catarsis ideada con inteligencia y ejecutada con sensibilidad en la que la música marcaba el camino para que soltemos las ataduras que nos retienen y nos permitamos ser aquellos a quienes silenciamos y escondemos en nuestro interior. 

Traición. Israel Elejalde convirtió la extraordinaria sutileza de Harold Pinter -entre los monosílabos, las interjecciones y las frases hechas- en un sólido montaje con buenas dosis de amor y humor, pero también de corrosión y dolor.

10 funciones teatrales de 2017

Representaciones que hicieron estremecer, puestas en escena que provocaron un huracán de emociones entre los espectadores asistentes, actores que con sus interpretaciones dejaron un recuerdo que todavía perdura, textos que a los que se les dio una nueva dimensión,…

«Un obús en el corazón«. No puede haber título más preciso y acertado. Un proyectil cuidadosamente ensamblado que tras su disparo traza una trayectoria bien clara y definida, alcanzando de lleno su objetivo, sus espectadores. Y si Wajdi Mouawad es un genio de la creación literaria, Hovik Keuchkerian lo es de la interpretación. Juntos son imbatibles y arrolladores, magistrales, una unión definible como perfección escénica.

«Las brujas de Salem«. El texto de Arthur Miller es maestro, no solo porque lo digan los académicos de la literatura desde hace ya más de seis décadas, sino por el efecto que tiene desde 1952 en sus lectores y espectadores. El montaje de Andrés Lima y su fantástico reparto están a la altura de todos sus retos: transmitiendo su mensaje universal, generando un dramatismo in crescendo a medida que se suceden los minutos, contagiando el dinamismo de sus momentos más corales,…

«He nacido para verte sonreír«. El vínculo entre una madre y un hijo es eterno, constante, profundo, íntimo. No hay silencios, impedimentos o retos que puedan con él. Siempre estará ahí, tal y como lo expresa Isabel Ordaz, eterno, vigente e incorruptible, y como se lo devuelve Nacho Sánchez, etéreo e invisible, pero haciendo que con su sola presencia, con su cuerpo, lo llene todo. Pablo Messiez resulta una vez más, gracias a su delicadeza y empatía, un maestro creando y transmitiendo emociones.

«Iván y los perros«. La humanidad más auténtica es posible incluso en un entorno de extrema brutalidad. La mirada inocente de un niño es siempre el mejor espejo en el que comprobar cómo los adultos hemos perdido la oportunidad de vivir la honestidad de nuestros sentimientos. Nacho Sánchez es el actor, el monstruo, el grande que graba en la piel, los ojos y el corazón de sus espectadores lo que él vive sobre el escenario del Teatro Español.

«Arte«. Solemos dar la categoría de arte a aquellas creaciones del hombre que partiendo de principios estéticos –siempre volubles- apelan a nuestras emociones. Pero cuando metemos de por medio a la razón para darle entidad a lo que pertenece a este mundo, se corre el riesgo de abrir la caja de los truenos y provocar una tormenta de consecuencias imprevisibles. Miguel del Arco y el trío protagonista –mención especial a Jorge Usón que brilla con luz propia- hacen suya, a golpe de humor y muchas risas, la compleja sencillez del texto de Yasmina Reza.

«Antígona«. Un texto clásico, una iluminación barroca y un mensaje actual, universal, eterno, siempre presente. Un bucle sin fin que comienza con la resaca del conflicto, sigue con la tensión de la defensa de la ley y concluye con la paradoja del ejercicio del poder. Un elenco en el que todos los actores brillan con su quietud cada vez que intervienen y cuando coordinan sus movimientos hacen casi estallar el escenario.

«Ensayo«. Dos horas de una brutal intensidad en la que tan duro y doloroso es expresarse como escuchar. En las que los personajes se abren en canal sus conflictos sobre el pequeño y gran mundo teatral del que forman parte, el amor al que dicen aspirar y desear transmitir a sus espectadores, las motivaciones que les iniciaron y les mantienen en la escritura, la interpretación y la dirección, así como su papel en todas las dimensiones de su vida. El texto de Pascal Rambert no deja un rincón de la mente, el alma y el corazón humano sin explorar.

«Cartas de amor«. Setenta años de misivas, desde que eran niños y tenían toda la vida por delante hasta las últimas palabras que se dirigieron dos adultos que fueron el uno para el otro, unas veces mucho y otras nada. Un intercambio postal que sobre el escenario se sucede como un dialogo ágil, sugerente, con momentos de humor y notas dramáticas a partes iguales. Palabras certeras cuyos significados y mensajes quedan amplificados por la maestra capacidad interpretativa de Julia Gutiérrez Caba y Miguel Rollán.

«Bodas de sangre«. El verbo hecho carne. Que los diálogos y la poesía de Lorca no sean solo palabras sino también cuerpos que escupen escultóricamente el escenario con su presencia y lo modifican y llenan con el ritmo y la cadencia de sus movimientos y voces. Esta es la inteligente y arriesgada puesta en escena de Pablo Messiez que hace de Federico, sin alterar su forma y esencia, algo moderno y actual demostrando la fuerza y capacidad de ambos y la vigencia y universalidad del granadino.

«Billy Elliot«. Pasión, eso es lo que tiene Billy por el baile y eso es lo que transmite este musical, pasión por hacerlo bien y pasión por hacer disfrutar a su público. Da igual haber visto la película o el montaje teatral en Londres o Nueva York, la adaptación al español transmite autenticidad. Las canciones suenan bien. Los actores están a la altura tanto cuando interpretan como cuando cantan. Las coreografías y los cambios de escenografía resultan redondos. El resultado, lágrimas de emoción, sonrisas de admiración y aplausos unánimes de principio a fin.

“Arte”, tolerancia, esnobismo e intransigencia

Solemos dar la categoría de arte a aquellas creaciones del hombre que partiendo de principios estéticos –siempre volubles- apelan a nuestras emociones. Pero cuando metemos de por medio a la razón para darle entidad a lo que pertenece a este mundo, se corre el riesgo de abrir la caja de los truenos y provocar una tormenta de consecuencias imprevisibles. Miguel del Arco y el trío protagonista –mención especial a Jorge Usón que brilla con luz propia- hacen suya, a golpe de humor y muchas risas, la compleja sencillez del texto de Yasmina Reza.

Tendemos a pensar que el término arte se refiere a las denominadas bellas artes (pintura, escultura, arquitectura, música, literatura, danza y fotografía) en línea con la segunda acepción del diccionario de la RAE, “manifestación de la actividad humana mediante la cual se interpreta lo real o se plasma lo imaginado con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros”. Ese es el filtro con el que nos acercamos a este texto que tantos teatros ha llenado y dado que hablar desde su estreno en 1994. Sin embargo, si seguimos leyendo el diccionario, la cuarta definición que nos da es la de “maña, astucia”. Y mientras pensamos que lo que Reza escribió trata sobre lo primero, puede ser que lo que ella concibiera y lo que Miguel del Arco pretenda poner en escena tenga también mucho de lo segundo.

La disparidad de opiniones qué es el lienzo, aparentemente en blanco, que inicia la función (una pieza artística, una mierda, quizás algo etéreo), no es más que la excusa, la gota que colma el vaso, para poner de relieve las fisuras que tiene toda relación cuando ante un mismo tema cada persona tiene una postura opuesta a la de los demás. Convicciones impermeables, cerradas al debate del encuentro, que se convierten en la insospechada mecha de un conflicto no solo inesperado, sino también, de recorrido y consecuencias imprevisibles. Esa es la paradoja de Arte, que parece tratar sobre lo evocador y lo sensible, sobre nuestra capacidad para imaginar y sentir, dejarnos fluir y llevar, evadirnos de lo terrenal y lo material, aquello en lo que reside nuestra categoría de seres humanos y nos diferencia del resto de seres vivos. Y resulta que lo que vemos sobre el escenario es también un muestrario de nuestras paradojas, de nuestra dificultad para ser auténticos e ir más allá de las etiquetas que conlleva nuestro modelo de sociedad, tanto de las que asumimos como de aquellas que decimos que nos son ajenas.

Ese el verdadero arte que se esconde tras esta obra, esa es la maestría literaria de Yasmina Reza y la habilidad escénica de Miguel del Arco. En el comienzo todo parece versar sobre Marcos y Sergio, Roberto Enríquez y Cristobal Suárez, dos hombres formados y aparentemente con criterio, entre los que la tela se levanta como un muro invisible dando pie a una situación que más que de separación, es de agresiva confrontación. Una distancia que hace de ellos dos posturas enfrentadas más que dos personajes que no consiguen encontrarse, transformándose incluso en un peso que dificulta el avance de la acción.

Un doble reto que supera con creces el binomio formado por Iván y Jorge Usón. El primero da vida al páramo inerte que se tiende entre sus amigos y el segundo construye un personaje que tiene todos los prismas que necesita este Arte para alcanzar su notable resultado final. La versatilidad de Usón da forma a esa ambigüedad que satisface por separado a ambas partes pero en conjunto a ninguna y con la que se gana desde el primer momento la empatía del público asistente al hacerle sentirse partícipe de lo que está sucediendo. Sus múltiples pequeños registros ponen de relieve la verdadera naturaleza humana del conflicto, lo insospechado de su alcance y los imprevisibles efectos de su resolución. Así mismo, su agilidad y entrega al texto son las que generan el humor y las risas tras las que se enmascara el drama, la reflexión y las buenas sensaciones con que se abandona la sala tras los noventa minutos de función.

Arte, en el El Pavón. Teatro Kamikaze (Madrid).

“Para acabar con Eddy Belleguele” de Édouard Louis

De una manera cercana, directa y clara, el joven Édouard supera las expectativas que suscitó la atención crítica y mediática que tuvo su relato cuando se dio a conocer hace algo más de un año. Esta no es tan sólo la historia de un joven homosexual en un entorno que le rechaza por su orientación sexual. Es la exposición de un mundo en el que se lucha por sobrevivir y no verse arrastrado al fondo del pozo de la dignidad humana por la ignorancia intelectual y los prejuicios culturales de aquellos con los que se convive, así como de un entorno social sin opciones de futuro.  

Los comportamientos humanos son una madeja compleja hasta que no se tienen unos referentes y principios claros con los que entender cuáles son los motivos que dan validez a unos y qué hace despreciables a otros. Alcanzado ese momento de conocimiento, al que se puede llegar guiado por los mayores –los padres, los abuelos,…- o por una dura travesía de soledad sin referentes como ha sido la de Édouard Louis, se alcanza ese importante punto de equilibrio en la construcción de una personalidad que es la auto aceptación. Desde este lugar, liberado de los yugos que ha sufrido durante dos décadas, es desde donde escribe este joven autor, mostrando sin filtro alguno lo que ha vivido y sentido hasta hace bien poco en la pequeña localidad del norte de Francia en la que residía.

En los primeros capítulos, con la inocencia de un niño que asiste a unos acontecimientos cuyo sentido no comprende, y en los siguientes, con la ingenuidad de un adolescente que pretende escapar en todo momento a un plano de realidad paralelo, lejos de su casa, de su clase, de sus supuestos amigos y su teórica familia. En su conjunto, con una necesidad imperiosa de expresarse y de mostrar la verdad de acontecimientos que de no contarse por escrito, pasarían por ser episodios de mucho tiempo atrás, impropios de una sociedad moderna y tolerante como se considera a sí mismo la francesa.

Esta mezcla de diario, novela y memorias que con tan solo 21 años Louis escribió en 2013, no es únicamente un testimonio biográfico, sino también un ejercicio de expurgación de una ciudadanía que, solo reconociendo y mostrando sus zonas oscuras, llegará a hacer de los ideales que dice que la guían, verdaderos principios de actuación. En el estado de la liberté, egalité, fraternité no todo es como nos dicen su literatura, su cine y sus medios de comunicación. En el país de la elegancia, del disfrute con los sentidos y la sensibilidad como toque de distinción, hay muchas ciudades, lugares y domicilios donde aún se practica la incomunicación, el desprecio y hasta la violencia física y psicológica sobre los que no cumplen las normas supuestamente lógicas (llámense también tradicionales) del comportamiento sexual según su género. No solo en la más estricta intimidad conyugal o familiar, sino también en el ámbito público y colectivo, alimentados, consentidos y practicados por y en todas las estructuras sociales (escuela, trabajo, administraciones públicas,…).

Para acabar con Eddy Bellegueule es un gran ejercicio de realismo social, sin sensacionalismos ni detalles escabrosos, sin sentimentalismos ni recreaciones para el libre ejercicio formal de la literatura. De su reconocimiento del dolor corporal y mental y de la casi imposibilidad de salir de ese círculo vicioso, de su intento por explicar a los verdugos y no caer en la indulgencia con sus víctimas, es donde está su autenticidad, y de ahí su fuerza narrativa y su grandeza testimonial.