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Picasso, grande entre los grandes del Museo del Prado

Maestro, innovador y líder creativo del siglo XX, Pablo es aún más cuando se le coloca en el pinacoteca madrileña junto a aquellos de los que aprendió y de los que se convirtió en evolución natural: el románico, los clásicos del Renacimiento, El Greco, Rubens, Velázquez, Goya,…

A lo largo de sus 91 años de vida Picasso solo pasó una noche en Basilea, en un viaje de camino a Zurich para asistir a la inauguración de una exposición. Sin embargo, la ciudad suiza es una de las que más ha realizado para promulgar el nombre y la obra de quien se considera la figura más importante del arte del siglo XX. Ya en 1926 el museo de arte de la ciudad fue uno de los primeros en adquirir obra suya, poco a poco fue ampliando su nómina de obras del malagueño a través de donaciones particulares. Incluso colectivas, como la que en los años 1967 llegó de la mano de los ciudadanos de la ciudad a través de una colecta –entonces no se le llamaba crowdfunding- para conseguir que dos obras (“Los dos hermanos” de 1906 y “Arlequín sentado” de 1923) suyas que habían residido durante décadas en la capital no fueran vendidas y pasaran a formar parte de su patrimonio colectivo recogido en esa institución pública con más de 350 años de historia que es la Colección Pública de Arte de Basilea.

En agradecimiento a semejante tributo popular Picasso le regaló a la ciudad y a sus habitantes cuatro obras. Dos de ellas junto al par mencionado forman parte de estos “10 Picassos del Kunstmuseum Basel” que pueden verse hasta el próximo 14 de septiembre en la galería central del Museo del Prado. Qué mejor lugar que este en el que se formó de joven junto a su padre grabando en su retina composiciones, figuras, líneas y colores, que presidió honoríficamente de 1936 a 1939 y en el que soñó ver expuesto su Guernica una vez que España volviera a ser libre y democrática.

Una decena de óleos a través de los cuales pueden recorrerse seis décadas de creación de un hombre del que se dice dejó un legado de más de 40.000 obras y quien no dejó período, estilo o corriente artística anterior a él sin pasar por su mano y de esta manera ser hecha evolucionar y proyectada hacia el futuro a través de las etapas, motivos e intereses en las que se clasifica su trayectoria: azul, rosa, cubista, los ballets rusos y el mundo del circo, sus mujeres y amantes, el Guernica y su afiliación al comunismo, las series reinterpretando grandes clásicos,…

Ahora que la pinacoteca suiza está cerrada por obras de remodelación, esta muestra –complementaria al repaso al siglo XX que es “Fuego blanco. La colección moderna del Kunstmuseum Basel” que acoge el Museo Reina Sofía- es una fantástica oportunidad con la que gozar de esta pequeña parte de los más de 100 Picassos que posee esta institución clave para el estudio y disfrute de su figura y creación.

Los dos hermanos, 1906. Una composición del período rosa con un fondo casi abstracto claramente tomado de retratos de Velázquez en el Museo del Prado como el de “Pablo de Valladolid” que tanto impresionaron décadas antes también a Manet.

141.4 x 97.1 cm; Öl auf Leinwand; Inv. G 1967.8

Hombre, mujer y niño, 1906. Una sagrada familia hecha cuerpo con apenas unos trazos que le dan forma y volumen a la manera de las esculturas y pinturas románicas que en la primavera de ese año Picasso vio durante su estancia en Gosol, en el Pirineo leridano.

115.7 x 88.9 cm; Öl auf Leinwand; Inv. G 1967.11

Panes y frutero con frutas sobre una mesa, 1909. Continuando a Cezanne y su estudio de los volúmenes, los planos y la perspectiva, Pablo simplifica las formas y sin dejar de ser figurativo comienza a formular el cubismo.

163.7 x 132.1 cm |  ; Öl auf Leinwand; Inv. 2261

El aficionado, 1912. Cubismo en su etapa hermética. Cada motivo es un plano y estos se superponen y se unen, pero siendo aún posible descifrar elementos que definen a la figura como su bigote, la guitarra o las banderillas de este amante de los toros en la plaza de Nimes.

04.Picasso

Mujer con guitarra, 1911-14. Tras azules, rosas, verdes y marrones de las obras anteriores, el blanco domina este óleo dando color a un fondo en el que se ve a una mujer a la que se superpone un fragmento que simula ser la madera con la que se construye el elemento musical.

130.2 x 90.1 cm; Öl auf Leinwand; Inv. 2307

Arlequín sentado o El pintor Jacinto Salvadó, 1923. Las ofertas para realizar escenografías y vestuarios para los ballets rusos a finales de la década de 1910 le introdujeron en el mundo del circo y los funambulistas, elementos que él unió e integró a la bohemia que ya formaba parte de su vida artística y personal.

130.2 x 97.1 cm; Öl auf Leinwand; Inv. G 1967.9

Mujer con sombrero sentada en un sillón, 1941-42. He aquí a Dora Maar, su pareja de 1935 a 1943, la fotógrafa que documentó el proceso de creación del Guernica, una mujer dura, fría y elegante que le conquistó tan apasionadamente al igual que se aburrió de ella años después y la abandonó sin pudor alguno.

130.5 x 97.5 cm; Öl auf Leinwand; Inv. G 1967.3

Muchachas a la orilla del Sena, según Courbet, 1950. “Las meninas” de Velázquez, “Las mujeres de Argel” de Delacroix o estas cortesanas junto al Sena de 1856 fueron motivos que Picasso descompuso en series de hasta decenas de óleos en las que analizó creativamente –tanto por separado como en conjunto relacional- todos los elementos que las forman: composición, colorido, perspectiva, dibujo,…

100.4 x 208 cm; Öl auf Sperrholz; Inv. G 1955.2

Venus y Amor, 1967. Una de las dos obras que ese año regaló a la ciudad de Basilea y en la que deja claro que el amor, el sexo, la atracción y la pasión emocional, física y carnal seguían siendo parte del leit motiv de vida de este hombre que ya pasaba de largo los 80 años de edad.

195 x 130 cm; Öl auf Leinwand; Inv. G 1967.12

La pareja, 1967. Cuando se consideraba que los más actuales del momento le habían dejado atrás (Rothko, Pollock,…), Picasso demuestra que sus modos y maneras ya avanzaron los de aquellos (action painting, ready made) a la hora de construir sus imágenes sin dejar de ser nunca figurativo.

195 x 130 cm; Öl auf Leinwand; Inv. G 1967.13

“10 Picassos del Kunstmuseum Basel”, hasta el 14 de septiembre en el Museo del Prado.

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Dialogando con los museos, recordando #AskACurator

ask_a_curator

Esta próxima semana (24 a 30 de marzo) a través de twitter museos de varios países promoverán la iniciativa #MuseumWeek, una etiqueta bajo la que promover el diálogo directo entre las instituciones museísticas y sus públicos.  Una manera de facilitarnos a los usuarios/visitantes plantear nuestras peticiones y curiosidades, y de que los museos se abran al diálogo más allá de la estricta prestación de servicios cuando les visitamos. Seguro que #MuseumWeek dará mucho de sí gracias a la participación de muchas entidades de renombre de España, Reino Unido, Francia e Italia. Algunas como el Museo Reina Sofía han anunciado incluso las propuestas de diálogo establecidas para cada día de la semana.

Meses atrás, el 18 de septiembre exactamente, #AskACurator fue la etiqueta bajo la que entidades museísticas relacionadas con el arte, la historia y la ciencia se abrieron (aún más, ya que todas las participantes tienen canales de twitter más o menos activos) al diálogo con nosotros. A continuación las preguntas que dirigí y las respuestas que recibí.

¿Cómo escucháis a la calle (en conjunto, no solo visitantes)? ¿Qué medios tenéis para reflejar la cultura contemporánea?

@cececebe A través de la recepción de proyectos, el comisariado y el trabajo con colectivos y expertos, intentamos programar actividades y proyectos para reflexionar sobre problemáticas actuales.

¿Qué aporta un museo fuera/lejos del “circuito” al conjunto global de la cultura tan centralizado en q vivimos?

@musacmuseo En el presente no se puede explicar lo local fuera de procesos globales, ni utilizar la tipificada relación centro-periferia como en el pasado. Es una pregunta compleja. Toda aportación funciona en variados niveles y opera a lo largo del tiempo.

How do you live/manage the “championship” of being considered (today) one of the top worldwide museums?

@NationalGallery We don’t see it as a ‘championship’. We have a fantastic collection of which we’re very proud & aim to make each visit memorable

¿Qué retos os supone ser un museo tan focalizado en una figura única y no estar localizados en una gran ciudad?

@MuseodelGreco ¡Un reto apasionante porque es acercar el mundo Greco a todos los públicos posibles! ¡En el 2014 te esperamos!

You’re dedicated to “modern” art. Doesn’t present art that modernity becoming “old” meaning it as “classical”?

@centrepompidou Our collections are also dedicated to contemporary art. Modern art got older but can’t yet be described as classic

¿Qué marca la diferencia entre un documento obra de arte de uno fuente bibliográfica/de consulta?

@museodelprado Una obra de arte tiene, además de su valor estético, un valor como documento de la época en que se realizónos transmite aspectos materiales (indumentaria, arquitectura…) e inmateriales (interpretación del mundo). Una fuente bibliográfica o documental recoge toda la info q el tiempo ha ido acumulando sobre la obra de arte.

Vivimos en un mundo visual, ¿cómo se vive ese reto en una institución dedicada “a los libros”?

@BNE_museo No sólo nos dedicamos a los libros, algunos muy visuales, pero es cierto que las expos de libros son “difíciles”.

¿Cómo se detectan nuevas piezas q puedan ser de interés para ampliar la colección del museo?

@museocasalis Gracias al ofrecimiento de algunos donantes, a través de ferias de arte, subastas y publicaciones especializadas.

¿Cómo se gestiona el concepto pieza única/original (negativo/archivo digital) en una colección de fotografía?

@mapfreFcultura La fotografía es obra única aunque haya varias copias. Cada impresión es distinta y única. Es propio del medio. Carlos Gollonet

¿Qué compromisos/contraprestaciones se piden entre museos a la hora de prestarse obras para exposiciones temporales?

@museothyssen Procuramos colaborar todos en nuestros diferentes proyectos

Y estas fueron las preguntas que no recibieron respuesta de sus destinatarios.

@britishmuseum How do you manage being “British” with a having a global audience (people visiting from all over the world)?

@Tate What supposes for your management to be considered a museum reference? Is that 1 of your goals? And to keep being it?

@MuseoCerralbo ¿Cómo fideliza a su público un museo con una colección permanente y con un espacio tan concreto como el suyo?

@museoreinasofia ¿Cómo se sigue trabajando la “modernidad” de décadas atrás (ya convertida en “clasicismo”) con la de hoy?

En total diez entidades respondieron, espero que con las otras cuatro llegue a entablar conversación durante la #MuseumWeek a partir de este lunes.

(imagen tomada de blogmuseupicassobcn.org)

1978-1984: y el arte español volvió a la primera línea

Después de la oficialidad conservadora que había imperado en España durante cuatro décadas, el escenario social y cultural de mediados de la década de 1970 estaba sediento por experimentar nuevas propuestas y no limitarse a leerlas en revistas o libros que llegaban desde el extranjero por cauces no oficiales. Los artistas tenían una responsabilidad que ejercer, no podían defraudar las expectativas de la sociedad que les demandaba un liderazgo creativo. El momento del arte y cultural coincidía con el político y el social, ¿qué hacer?

En el contexto artístico de la evolución de la historia del arte, ¿qué camino de libertad creativa quedaba por recorrer después de las vanguardias? ¿Se había acabado ya la modernidad? ¿Dónde se habían quedado el academicismo y la tradición?

Esas interrogantes, junto con la necesidad personal y social de libertad de expresión, debían ser algunas de las que se planteaban nuestros artistas en aquellos momentos tan inciertos, y a la par tan ilusionantes por su potencial creativo, de nuestra historia reciente.

Algunas de las respuestas son las obras que forman la exposición temporal “Idea: Pintura Fuerza. En el gozne de los años 70 y 80” que el Museo Reina Sofía ha organizado en su sede del Palacio de Velázquez en el Parque del Retiro de Madrid (desde el pasado 6 de noviembre y hasta el próximo 18 de mayo de 2014).

Alfonso Albacete, Miguel Angel Campano, Ferrán García Sevilla, Juan Navarro Baldeweg y Manolo Quejido son los autores que condensan la esencia de aquel momento. El paso del tiempo ha demostrado que ellos fueron algunos de los que supieron dar con las claves para seguir haciendo evolucionar el arte en nuestro país. Lo situaron en un presente con origen en un pasado tanto clásico y de aplauso unánime como reciente y desconocido por haberle sido negada hasta entonces su presencia en los espacios públicos de expresión, diálogo y comunicación por el control estatal de los mismos.

¿Qué se planteaban estos cinco artistas? ¿Qué necesitaban transmitir? ¿A qué le dieron voz?

Alfonso Albacete (1950)

La luz lo llena todo, define líneas que crean forman y separan colores, llena de vida la escena. Pero va a más allá de maestros como Velázquez o Poussin, la luz no es el medio para crear una escenografía, sino la muestra de que el presente es único y dinámico, se puede fijar visualmente, pero no perpetuar vivencialmente.

Madrid-20131208-01618

Miguel Angel Campano (1948)

En sus lienzos, lo conceptual y único se hace visual y conjunto de elementos. Al igual que Jasper Johns y Robert Motherwell, nos permite descifrar las jerarquías y relaciones que se dan entre todos ellos dándonos la oportunidad de introducirnos en una realidad inexpugnable hasta entonces.

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Ferrán García Sevilla (1949)

Da voz formal al informal mundo interior en línea similar a la de De Kooning. Conduce a la visceralidad humana, al debate  y la reflexión interna, hacia la expresividad pictórica. Abre y desnuda al individuo ante la colectividad, surgen los interrogantes que deja en manos del espectador.

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Juan Navarro Baldeweg (1939)

Explosión de color y expresividad en un fluir de energía que tiene algo de espiritual. El diálogo de formas y líneas crea sensaciones rítmicas dinámicas, una atmósfera que atrapa al espectador y le traslada no a historias, sino a sensaciones de equilibrio y enriquecimiento sensorial.

Madrid-20131208-01629

Manolo Quejido (1946)

Colores vivos, luz cálida y figuras que nos recuerdan a Matisse y a Cezanne reformulando los cánones clásicos. La belleza ya no es sólo una dádiva ajena de aquellos agraciados con el don de la eficiencia técnica, es también un diálogo,  una vivencia que experimentar y por la que dejarse invadir y seducir.

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Site de “Idea: Pintura Fuerza. En el gozne de los años 70 y 80” en la web del Museo Reina Sofía.