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Elton John es “Rocketman”

No es una biografía al uso. No es un repaso de la carrera artística del hombre que ha vendido más de 300 millones de copias de sus discos. Es la historia de cómo se forjó su genio y tomaron cuerpo sus demonios interiores, alimentándose mutuamente hasta que los segundos casi acaban con él. Muy bien resuelta en lo musical, tan solo correctamente en lo personal, aunque hay que decir a su favor que afronta sus zonas oscuras de manera abierta y honesta.

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En su primer minuto de proyección Rocketman promete alcohol, sexo y drogas. Acto seguido da inicio un número musical con las claves de los que estarán por venir. No solo haciéndonos vibrar y disfrutar, sino sirviéndose de sus letras para contarnos quién y cómo es Elton John y la vida que ha tenido. Las personas que más íntimamente han formado parte de ella -sus padres, su abuela, su colega Bernie Taupin, su manager y primer amor John Reid- y la manera en que durante mucho tiempo vivió las emociones que sus relaciones con ellos le causaron.

Taron Egerton no encarna a un hombre al que la fama y el éxito le embriagaron, sino a un niño falto de amor paterno (nunca le abrazó) y a un homosexual sin reconocimiento materno (entendía su orientación sexual, pero le pidió que no le hablara de ello). Así fue como se forjó la necesidad expresiva y creativa de un ser humano con un lastre de vacío y soledad imposible de olvidar, aplacar o sustituir por las ofertas de los productores, las alabanzas de la crítica y los aplausos del público. Un intento de equilibrio que no funcionó y que trajo consigo la ruptura y la debacle interior, algo que Dexter Fletcher expone sin histrionismos, consiguiendo que entendamos plenamente el proceso humano que hay tras ello.

Pero aunque nos traslada hasta donde quiere llevarnos, también lo es que lo hace por un camino no siempre comprensible. Tras un arranque que funciona como una perfecta declaración de intenciones tanto a nivel de guión como de dirección, Rocketman da por hecho que somos conocedores de la carrera musical y la trayectoria personal de su protagonista y una vez que lo sitúa en el lujo y el barroquismo del éxito deja de contarnos cómo evoluciona su carrera artística. La música sigue, pero la narración está plenamente centrada en su infierno interior, generando una sensación de desorientación al no situar ni contextualizar cronológicamente el conflicto entre la persona (Reginald Dwight) y el personaje (Elton John).

Así, algunos episodios personales -la toxicidad de su relación con John Reid tras su ruptura o su matrimonio con Renate Blauel- quedan apenas bocetados, utilizándolos como explicación (de causa o de efecto) de su relato, pero sin llegar a integrarlos plenamente en él. Rocketman deja de ser entonces la biografía de Elton John para pasar a ser un drama que se estrecha en exceso. Pero quizás porque no cae en lugares comunes como la megalomanía o el peso de la fama, es capaz de remontar el vuelo en su recta final y logra cerrar acertadamente su historia dejándonos la impresión de que hemos visto un testimonio de vida más que un biopic. 

“Billy Elliot”, ¡quiero bailar!

Pasión, eso es lo que tiene Billy por el baile y eso es lo que transmite este musical, pasión por hacerlo bien y pasión por hacer disfrutar a su público. Da igual haber visto la película o el montaje teatral en Londres o Nueva York, la adaptación al español transmite autenticidad. Las canciones suenan bien. Los actores están a la altura tanto cuando interpretan como cuando cantan. Las coreografías y los cambios de escenografía resultan redondos. El resultado, lágrimas de emoción, sonrisas de admiración y aplausos unánimes de principio a fin.

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En el año 2000 Stephen Daldry sacudió a los espectadores que acudíamos a las salas de cine ofreciéndonos una historia positiva y sensible, pero nunca naif ni edulcorada, que no dejaba otra alternativa que, entre lágrimas e ilusión, hacer salir al niño que todos llevamos dentro. Algo así sintió Elton John cuando la vio y siguiendo su impulso, hizo equipo junto al director y el guionista, Lee Hall (nominado al Oscar por ello), para dar forma a este musical que se estrenó en Londres en 2005. Ahora, doce años después y tras haber sido representado en Australia, EE.UU. o Canadá, y adaptado al coreano, el holandés o el italiano, comienza su etapa en español.

Primer y gran reto resuelto de manera solvente. La sonoridad de la adaptación del libreto no hace que echemos en falta en ningún momento al original inglés. Las construcciones verbales resultan cotidianas, las frases fluyen, suenan bien. Y la siempre presente partitura – cumpliendo su papel, unas veces orquestal, otras subrayando a modo de hilo musical- al servicio de la acción que se muestra y de las emociones –alegría, tristeza, rabia, impotencia, amor, ilusión, estupor, sorpresa,…-  que se expresan sobre el escenario. En las partes dialogadas el lenguaje nos traslada logradamente hasta el ambiente de clase media de los ambientes ingleses mineros de la década de los 80, sin apenas educación formal, viviendo en zonas alejadas de grandes núcleos urbanos en las que los tacos y lo ordinario son verbo recurrente.

A la hora de tomar forma visual, la puesta en escena –escenografía e iluminación- es de un extremado rigor, tanto por lo variada que es, la excelencia con que está ejecutada y la precisión con que es manejada durante la función haciendo que pasemos de un escenario a otro, y de un estado emocional a otro, en un abrir y cerrar de ojos. De la casa familiar de los Elliot de dos pisos y azotea, al gimnasio en el que al principio Billy practica boxeo y de ahí a la clase de ballet de la señorita Wilkinson. También llegamos hasta la puerta de su casa, entramos en el salón social del pueblo y en la zona de acceso a la mina y nos trasladamos desde Evrington, en el nordeste de Inglaterra, hasta las salas de la Royal Ballet School en Londres.

Un gran trabajo técnico que constituye la plataforma sobre la que el elenco actoral despliega su excelente trabajo interpretativo, musical y coreográfico. Los actores saben moverse  y cantar cuando les toca ponerse al servicio de los números musicales y los bailarines intervienen correctamente cuando han de tomar la piel de uno de los personajes secundarios. Los números de más de veinte intérpretes en escena tienen la precisión de un reloj suizo y la magia y poder hipnótico de los grandes momentos. Una coralidad que convive con naturalidad con el brillo de Natalia Millán y Carlos Hipólito, con la chispa de Mamen García y Alberto Velasco, entre otros nombres, y con el buen hacer, a medio camino entre la espontaneidad y la entrega y grandes dosis de frescura, del amplio número de niños que forman parte del reparto.

El Billy Elliot presentado en Madrid no hace que echemos de menos a su alter ego cinematográfico –no le falta nada de aquel, no le traiciona en ningún momento- ni que parezca pequeño ante sus otros yoes como el de Broadway. Por esto, por lo que hace sentir en cada momento y por las varias veces que el público rompe emocionado en aplausos a lo largo de las más de dos horas y media de representación, este Billy Elliot se merece la calificación de sobresaliente y el deseo de que tenga una larga vida en la cartelera.

Billy Elliot, en el Nuevo Teatro Alcalá (Madrid).

Fotógrafos que convierten en leyenda al fotografiado: Terry O’Neill

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Faye Dunaway el día siguiente de ganar el Oscar, Beverly Hills, 1977.

Hay personajes que no serían los que son si no fuera por aquellos que les han ayudado a construir su imagen. Entre el marketing y el arte es donde se coloca la fotografía al servicio de personajes como Ava Gardner, Audrey Hepburn, Brigitte Bardot o la modelo Twiggy. Y detrás de la cámara una mente que combina talento y técnica en el manejo de la luz, la de Terry O’Neill. Bajo el título de “El rostro de las leyendas”, el Espacio Telefónica nos da la oportunidad de deleitarnos hasta el próximo 12 de enero con 66 imágenes suyas tomadas a lo largo de las últimas cinco décadas.

El quería viajar ser músico, y aunque no lo consiguió, sí que viajó y acabó relacionándose largo y tendido con el mundo de la música. El fue el primero que mostró en 1963 a The Beatles como un grupo de cuatro británicos desenfadados y frescos –primera foto además del cuarteto en un medio de comunicación-  y a los Rolling Stones como los gamberros descarados que desde entonces siguen siendo. Además de estos, su objetivo ha retratado a otros como Elton John actuando en vivo, Rod Stewart vistiendo estampado de leopardo, Bruce Springteen paseando por Sunset Trip, Bono, David Bowie (fabulosa imagen con Liz Taylor poniéndole un pitillo en los labios), Eric Clapton, Tina Turner o Amy Winehouse. Posados que transmiten una abrumadora naturalidad que podría hacer pensar a estos personajes que es su fotogenia –y no la labor de Terry O’Neill- la que ha ayudado a que la fotografía consiga dejar al público con la boca abierta al contemplar las imágenes fijas que ellos han protagonizado.

Le hizo famoso la sencillez de la imagen que tomó al Secretario de AA.EE. británico durmiendo de traje en un aeropuerto rodeado de personas africanas vestidas de manera tribal. El éxito le llevó a dejar el servicio fotográfico de British Airways en el que había comenzado a trabajar y a partir de ahí su carrera fue un no parar: “Tuve mucha suerte. Estaba en el lugar y los tiempos correctos: la década de los 60 en Londres. Fue una edad de oro. Cada día ocurría algo emocionante.” 

Su estilo es el de una absoluta espontaneidad que le hace parecer invisible al ver las imágenes que en rodajes cinematográficos tomó de mitos como Raquel Welch, Ursula Andress, Clint Eastwood, Orson Welles, Robert Redford o Richard Burton. Son retratos humanos, sensibles, cercanos y al tiempo gestos de admiración hacia sus protagonistas. He ahí la fotografía que tomó a su mujer Faye Dunaway en la piscina el día después de que esta ganara el Oscar a la mejor actriz en 1977, o las que tomó en su cotidianeidad a su buen amigo Frank Sinatra. 

Deseaba viajar a EE.UU. cuando aún era un joven británico, y ha acabado recorriendo medio mundo siguiendo a sus lugares de trabajo para retratarlos o recibiendo para posados a iconos de la moda -o quizás sus retratos fueron los que les convirtió en iconos- como Christy Turlington o Iman (color), de la política como Winston Churchill o Nelson Mandela el día de su 90 cumpleaños, o del deporte como Pelé en su fotografía oficial para la promoción del Mundial de Futbol del próximo 2014, uno de los últimos trabajos de un maestro de la imagen que sigue en activo a sus 75 años. 

De Nueva York a Munich, de Londres a Las Vegas, de París a Almería, allí donde hiciera falta crear leyenda o seguir a una ya existente ha acudido Terry O’Neill desde 1963 creando la suya propia. Una gran carrera que podemos disfrutar y con la que incluso soñar imaginando cómo nos hubiera retratado él a cada uno de nosotros en esta exposición que merece la pena visitar.

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Frank Sinatra, Miami, 1968.

Sitio web de “Terry O’Neill: el rostro de las leyendas” en la web de la Fundación Telefónica.

(Fotografías tomadas de la web de la Fundación Telefónica)